(PRE)APOCALÍPTICOS Y (DES)INTEGRADOS

LYON

2011-11-29T17:28:00.012+01:00

Entrevista en Youtube / Interview in Youtube

AFTER(H)OURS

2011-11-09T12:38:00.005+01:00

La próxima parada será en el Espacio 2 de la Galería El Museo, de Bogotá (Colombia), donde se mostrará, desde el próximo día 17 de noviembre y hasta el 17 de diciembre mis últimas obras en una exposición individual que llamada "After(h)ours".

“Desarticulación del tiempo:
Los instantes se siguen los unos a los otros: nada les presta la ilusión de un contenido o la apariencia de una significación; se desenvuelven; su curso no es el nuestro; contemplamos su fluir, prisioneros de una percepción estúpida. El vacío del corazón ante el vacío del tiempo: dos espejos reflejando cara a cara su ausencia […] el hombre es el ser delirante por excelencia; presa de la creencia de que algo existe, mientras que le basta retener su aliento: todo se detiene; […] La realidad es una creación de nuestros excesos, de nuestras desmesuras y de nuestros desarreglos. Un freno en nuestras palpitaciones: el curso del mundo se hace más lento; sin nuestros ardores, el espacio es de hielo. El tiempo mismo no transcurre más que porque nuestros deseos engendran este universo ornamental que desnudaría un ápice de lucidez. Una pizca de clarividencia nos reduce a nuestra condición primordial: la desnudez; un punto de ironía nos desviste de ese disfraz de esperanzas que nos permiten engañarnos e imaginar la ilusión: todo camino contrario lleva fuera de la vida.
[…] La vida se crea en el delirio y se deshace en el hastío”.

Emil Cioran (Breviario de podredumbre, Précis de décomposition, 1949)

Más información en la web de la galería: www.galeriaelmuseo.com

SEPTIEMBRE

2011-09-06T18:52:00.008+02:00

"Alissoutoftheblue", óleo sobre lino, 200x130cm, 2011.

Esta obra será expuesta a partir del próximo día 15 de septiembre en la Galería Fernando Pradilla (calle Claudio Coello, 20, Madrid)

Durante septiembre estaré mostrando mis últimas obras en:
- ArtRio, Feira Internacional de Arte Contemporânea do Rio de Janeiro (Brasil), del 8 al 11 de septiembre.
- Exposición individual en DocksArtFair, Lyon (Francia), del 13 al 18 de septiembre.
- Exposición Décimo Aniversario de la Galería Fernando Pradilla, Madrid (España), desde el 15 de septiembre.
- KIAF, Korea International Art Fair, Seúl (Corea del Sur), del 22 al 26 de septiembre.

During September I'll be exhibiting my last works at:
- ArtRio, International Fair of Contemporary Art in Rio de Janeiro (Brazil), from 8 to 11 September.
- Solo exhibition at DocksArtFair, Lyon (France) from 13 to 18 September.
- 10th Anniversary Exhibition of the Galería Fernando Pradilla, Madrid (Spain), from September 15.
- KIAF, Korea International Art Fair, Seoul (South Korea) from 22 to 26 September.

INFO:
Art Rio
Docks Art Fair Lyon
Galería Fernando Pradilla
Korea International Art Fair

DETENERSE

2011-03-20T00:57:00.007+01:00

Detenerse
Pausarse
Crecerse estático en los meandros
Infinitesimales y en las exploraciones
Interiores exhaustivas
Lentamente
Detenerse
De nuevo
Partir de una determinada trama
Ciertos motivos sintomáticos
Construir la narración
Desde la actual pérdida del sentido de realidad
Detenido
Descompuesto El colapso de lo real
La ambigüedad manifiesta
Vestirse aderezado de finísima ironía
De todo tipo de parafernalia postmoderna
Etiqueta requerida para la ocasión
Y desde aquí
Hegemónico
Transido
Descifrar el significado.

(de A y 69 poemas de relleno, Ediciones Alea Blanca, 2008)

AFTERTHEARTFAIR

2011-03-15T10:58:00.000+01:00

Aftertheartfair#1, 150 x 200 cm

Aftertheartfair#2, 150 x 200 cm

Aftertheartfair#3, 150 x 200 cm

THEBOTHSIDESOFHER

2011-03-05T12:23:00.000+01:00

CLICKINGOLYMPUS

2011-03-03T11:47:00.000+01:00

MADDALENATALARICOSVENUTA

2011-03-01T12:44:00.000+01:00

Guido Cagnacci, La Maddalena Svenuta, 1663, Palazzo Barberini, Roma.

VIRGINIEAFTERHOURS

2010-11-15T13:25:00.006+01:00

Rembrandt, The Monk in the Cornfield, 1644

Rembrandt, Ledikant (The French bed), c. 1646

AMARANTASTRIPEDPISS

2010-11-14T12:14:00.000+01:00

Rembrandt, Woman Urinating, 1631

TRINEAFTERHOURS

2010-11-10T12:49:00.001+01:00

VANESSAILOVETRASTEVERE

2010-11-09T12:04:00.003+01:00

10 THINGS ABOUT ME (AND JUST ONE ISN'T TRUE)

2010-10-30T16:02:00.000+02:00

ALISKILLA

2010-10-25T12:11:00.002+02:00

Fuckartloveartist

Doubleromanshower

Ladociaromana

Aliskilladolcevita

WHATLIESBENEATH

2010-10-23T13:10:00.006+02:00

Click image to enlarge

Óleo sobre lino / Oil on linen, 140 x 180 cm, 2010

PERVIVENCIAS BARROCAS EN LA PINTURA ANDALUZA CONTEMPORÁNEA

2010-10-20T11:11:00.009+02:00

“[...] A través de los cinco sentidos Juan Francisco Casas nos hace penetrar en su universo interior. Su relación con el mundo la canaliza a través de las sensaciones que se hallan inmersas en sus obras y nos permiten descifrar los estímulos que recibimos. Nos plasma el sentido de la vista, el oído, el olfato, el gusto y el tacto reportándonos a un mundo de emociones donde prima el sentimiento frente a lo científico. Con Casas la temática de lo sensible es reciclada y puesta de nuevo en escena, dirigida tanto a la naturaleza corporal como espiritual del espectador.

El soporte lo emplea como un medio de cotejo dejando plásticamente constancia de su deseo. Mediante el uso de primeros planos ilustra diversas y variadas emociones con toques de teatralidad como antaño hicieron, Rubens o Aníbal Carraci, transmitiendo el ambiente festivo, sensual y placentero en las que están enmarcadas sus figuras.

En sus composiciones podemos apreciar el estatismo y el predominio de la vertical del Renacimiento y la movilidad y el ritmo del Barroco. Además hace uso del recurso del escorzo sumergiendo al espectador en las vivencias del artista con encuadres que olvidan el entorno para centrarse en la figura y la expresión de ésta.

De la producción de este joven artista, cabe destacar las analogías de su obra Sofarsofá con El éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni de Gian Lorenzo Bernini (Iglesa San Francisco a Ripa). Salvando las distancias podemos observar en ambas una gran intensidad dramática con un marcado dinamismo característicos del período Barroco, que mantienen su vigencia [...].”

“El bosque barroco: desconocido y novedoso. Pervivencias barrocas en la pintura andaluza contemporánea”, Blázquez Pacheco, D., García García, F., Hernández Rondán, P., y otros. En: Estudios de Historia del Arte. Centenario del Laboratorio de Arte (1907-2007). Sevilla (Vicerrectorado de Relaciones Institucionales y Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla), 2009.

LA CUEVA DE PLATÓN Y OTRAS COMPLICACIONES / PLATO'S CAVE AND OTHER COMPLICATIONS

2010-10-15T11:03:00.025+02:00

Texto: Joan Cornelius Toset

Translation: Anna Holloway
Revista Devoraran, nº4

Link: http://www.devoraran.com/sumario.php?id=4

Su obra se encuadra estéticamente en el hiperrealismo o fotorrealismo. En pocas palabras: afirmación de la realidad mediante su plasmación tal como la vería una cámara fotográfica. Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información, y como elemento (modelo) a partir del cual se construye el cuadro. Utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares. En general, plasmación ampliada (tamaño mayor que el natural) de detalles de objetos, personas y ambientes con gran detallismo.

Y a partir de aquí comienza su búsqueda y su originalidad. Abandona todos los colores del mundo y todos los pinceles para limitarse exclusivamente al bolígrafo bic y, además, de color azul. Abandona lugares urbanos, cosas y natu

raleza para concentrarse en el retrato de chicas, guapas, jóvenes, a menudo ebrias, a veces haciéndote fotos pero siempre ligeras -tanto de ropa como de actitud: desenfadadas y dicharacheras.

Su maestría en la técnica del dibujo es incuestionable. Y contrasta vivamente con esos seres femeninos grandes, todos azules y sin fondo, descontextualizados, vacíos, lo que convierte a su hiperrealismo, de tan realista que es, en algo irreal.

Y esto confunde. Porque lo que uno ve no da para mucho, pero es que no se trata de eso, se trata de ver más allá, juegos de espejos sobre metafísica cotidiana que desvelan la realidad profunda: banalidad, copas, muecas, fotos y sexo, todo bañado en soledad.

Cuenta la leyenda que los pobres de este mundo -encadenados como buenos pobres- solamente podían ver las sombras de unos objetos reflejados en la pared de la cueva, pues su ángulo de visión no les permitía ver ni el fuego que reflejaba los objetos, ni los objetos mismos que pasaban por detrás suyo. Así vivieron engañados siempre pensando que las sombras constituían toda la realidad.

Lo que los pobres no sabían, ni Platón tampoco, es que detrás de pobres, sombras, objetos y fuegos había un tipo haciendo fotos, y otro haciendo fotos al que hacía fotos, y por si esto fuera poco, otro pintándolos a todos.

¿Cómo deberían museos e instituciones públicas tratar el sexo explícito en el arte contemporáneo?

A mi siempre me preocupa más la manera de mostrar la violencia explícita que el sexo explícito, por que es mucho más problemática y puede tener consecuencias más graves. Si tenemos en cuenta que El Origen del Mundo de Courbert, pintado en 1866, no se expuso hasta 1988 (y solo es un coño) no podemos ser muy optimistas, aunque la manera de tratar la obra de algunos artistas como por ejemplo Araki, nos da ciertas esperanzas de que el sexo algún día se trate mas o menos con la naturalidad con la que se hace.

¿Crees que la sociedad exige nuevas formas de interpretar el porno?

No creo. El porno tiene una función puramente fisiológica, otra cosa es si hablamos del sexo explícito y la manera de tratarlo, por ejemplo en el cine que no es pornográfico. Supongo que eso irá cambiando, aunque ha llovido mucho desde Tinto Brass y las cosas siguen más o menos donde estaban.

¿Qué papel tiene el sexo en tu vida? ¿Y en tu obra?

En ambas es clave, en realidad en la de casi todo el mundo lo es, o por lo menos lo debería ser, como la comida, como el arte, como la música, como lo son los grandes placeres de la vida. Aunque quizá en mi obra se manifiesta de manera más evidente cuando se transvasa la frontera entre lo que habitualmente es privado a lo que es público y esta circunstancia lo destaca sobre otros conceptos que trato.

¿En qué lugar tuviste tu primera experiencia sexual?

En la cama.

¿Qué plato "devoras" con más placer?

Sangre encebollada.

¿Qué canción te pone los pelos de punta?

¿Sólo una? "Hurt", versión de Johnny Cash y cualquiera de Tom Waits, Howlin´ Wolf o Chet Baker.

Click image to enlarge

Aesthetically, his work can be described as hyperrealism or photorealism which, briefly summarized, is a style which portrays reality by showing how it would be seen through a photographic camera. The camera and photo act as means of obtaining information and as a model on which to base the painting, using typical camera shots with angular objectives. In general, the highly detailed images of objects, people and scenes are magnified and larger than life.

And from there on, his originality really begins to shine through. He abandons the use of brush and color and limits himself to using just a blue Bic biro. He avoids depicting places, objects and nature and instead concentrates on beautiful, young women who are often inebriated, sometimes they themselves are taking a photo of the photographer, always scarcely clad, confident, uninhibited, playful and daring.

His mastery in drawing is indisputable. It sharply contrasts with these large female forms depicted in blue monochrome; the images are empty, lacking in background and context, thus converting his hyperrealism into something unreal.

And this is confusing. Because it´s not about what meets the eye, it´s about looking further, through mirrors reflecting everyday metaphysics that reveal a profound reality: banality, drinks, pulling faces, photos and sex, all bathed in loneliness.

He recounts the legend of Plato´s cave where the poor, ordinary people could only see shadows reflected on its walls. Chained up like prisoners, their angle of vision didn´t allow them to see the fire that threw the shadows on the wall, nor the objects or people that were passing behind them. Thus they lived in ignorance thinking that these shadows were reality.

What neither these poor folk nor Plato knew was that behind them, behind the shadows and behind the fire was a guy taking photos, and behind him another taking photos of him and, as if that wasn´t enough, another guy painting the whole scene.

How should museums and public institutions deal with explicit sex in contemporary art?

Personally I have always been more worried about the way explicit violence is portrayed rather than explicit sex as it is far more of a problematic and can have more serious consequences. Bearing in mind Courbet´s "The Origin of the World" painted in 1866 was not exhibited until 1988 (and it was just a painting of female genitalia), we can´t be overly optimistic. However, the way the work of some artists such as Araki has been handled does provide hope that one day sex will be regarded in a more natural manner than it is now.

Do you think our society needs new forms of interpreting porn?

I don´t think so. Pornography has a purely physiological function but it´s a different matter if we´re talking about explicit sex and the way it should be handled in mainstream cinema for example. I suppose things will change little by little but Tinto Brass is now water under the bridge and the situation remains more or less the same.

What role does sex play in your life? In your work?

It is vital to both, like it is for most people, or at least that´s how it should be, along with all the great pleasures in life such as food, art, music... Although in my work perhaps sex is more evident as it crosses a boundary, making public what is normally private, and this stands out from other concepts that I address.

Where did you have your first sexual experience? In bed.

Which dish do you "devour" with greatest delight?

Bloodied onions.

What song gives you goosebumps?

Just one? "Hurt", the version by Johnny Cash and any song by Tom Waits, Howlin´ Wolf or Chet Baker.

OPCIONES

2010-07-07T11:50:00.005+02:00

"Creemos que hemos descubierto en una gruta maravillosos tesoros y cuando volvemos a la luz del día sólo traemos con nosotros piedras falsas y trozos de vidrio; y sin embargo en las tinieblas relumbra aún, inmutable, el tesoro."

M. Maeterlinck

Nos quedan pocas opciones, se levanta uno cada día a media tarde, solo o acompañado, si se levanta, y no hay casi nada, la resaca manifiesta, ya se sabe, no mucho más que esta erección ostentosa proyectada, como la rallita que cruza de manera oblicua un círculo, formando el signo de vacío, así ∅, constatando y cercando la nada, la soledad inexacta, y a la vez lo que me colgaba, cigüeñal antropomorfo, con configuración interfaz de funcionamiento estocástico, lo que tenemos de naturaleza pétrea, inabarcable, imprecisa y salvaje: qué real y lírica que es la biología, qué sutil e irónica. Meada matutina, peinado correcto, un café se retuerce en el estómago vacío. Las variadas opciones circunstanciales, momentáneas, desde el yoga tántrico hasta hacer la colada, no son las opciones esenciales, las verdaderas, pocas, dos: elegir entre las horas perdidas imprecisas de la búsqueda o la cierta efectividad de lo baladí, lo que está ahí, escoger entre la soledad de los largos pasillos o la erosión de la luces de neón, entre lo único y lo gregario, entre el arte y la nada.

Así, hay vidas que se presentan y se desarrollan desde un principio como un viaje al fracaso consciente, como el desove del salmón, como el coito de la mantis, en algunos este camino sin retorno se puede manifestar en la destrucción de la persona (Sade) con el corazón de par en par sobre el légamo, en otros casos el fracaso conlleva a la destrucción del artista (Rimbaud) de cráneo desnudo; y a pesar de parecer una dialéctica recurrente y simplificada, se la puede entender más desde la honestidad, infrecuente, que desde la efectividad y/o calidad de la obra artística, el resultado, ese juez implacable, finalmente es la voluntad de la vida vivida la que define la obra como tal. La altura de las expectativas son directamente proporcionales a la posibilidad de la decepción. Aforismo. Esta sinceridad contrasta así con el hartazgo de lo mediocre (dios, cuánta mierda), la psicología barata y filosofía de herbolario, tantos paulocoelhos por ahí sueltos, todo tan trillado, aburrido, tan reconocible, con una eficacia mecánica, como de triste objeto fabricado en serie, como son las vidas y como no deben ser las vidas. Pocas salidas quedan para ejercer la verdadera existencia que no sean desde esa honestidad, el rigor y compromiso con lo personal y único que nos conforma a todos y a casi todos inútilmente. Es muy fácil, ejemplos me sobran, situarse a rebufo de lo que se sabe, del estándar obligado, de lo institucional e institucionalizado, de lo que ya está ahí, instalado en el éxito, avanzando desde los caminos iluminados y pavimentados, sin aventurarse en los márgenes oscuros y confusos de la existencia; son estos márgenes los que generalmente conducen al ser nuevo y excepcional, al arte con mayúsculas, pudiendo abrir así, a golpe de vida, a golpe de coito salvaje, generador también de vida, vías originales y diferentes. Sin embargo, como el desove del salmón o el coito de la mantis, en la mayoría de los casos tan sólo queda un rastro de cadáveres y un mal sabor de boca: muchos estos intentos conducen a la obra fallida, a la insatisfacción del que siempre quiere más vida en la vida, al experimento confuso, al fracaso, la insatisfacción del que siempre desea más de todo, más placer, más dolor, más todo. Es en esta frustración en donde se instala la voluntad real victoriosa del ser, y no en el miedo tenso del eyaculador precoz, del no estar a la altura, del cobarde, miedo que lleva al tan frecuente arte clónico, vidas clónicas, a hacer lo que funciona, porque ha funcionado en otros, lo convencional, al simulacro, a la impostura que precede inevitablemente al lecho de muerte. Este es el único fracaso verdadero como persona y debe ser el único miedo real del poeta, vivir lo que viven todos. A eso le podemos sumar las circunstancias puntuales, el entorno que sólo se le puede entender por medio de las drogas abundantes y/o litros de alcohol, desde la inconsciencia consciente, la su generalizada banalidad institucional, el ensalzamiento del inútil, con su monumento al mediocre (des)conocido, y los elementos jerárquicos de lo local, figurillas de un belén viviente, es decir, pequeñas, inmóviles, plastificadas. Obtenemos como resultado de esta operación un paisaje desolador, un páramo de limo untuoso, que alejado de la realidad se mira el ombligo, se recrea con su sola existencia y llega incluso a considerar la insignificancia como la principal de sus virtudes.

Estos parámetros son claves, son mis circunstancias, es la complejidad que nos redefine a cada instante, frente a ellos, desde la antítesis y la ironía, desde la insatisfacción, desde los comienzos convulsos, desde la complejidad y la insuficiencia de un lenguaje, los comienzos irregulares, elegir esto en lugar de hacer algo de provecho, ser ingeniero de vocación insuficiente, profesor abusador de menores o algo por el estilo. Todavía estamos a tiempo. Todo esto, comienzos insensatos, años vagamente borrosos por los vapores del alcohol, no nos eximen de ninguna culpa, responsabilidad que, desde un entorno definitorio en el que, como un estudiante Törless o un personaje de Salinger, se intenta aprehender las contradictorias circunstancias personales, inscribo la vida en sí, desde la objetividad como de viaje astral fruto de una inteligencia desenfocada por la juventud. Y ya se sabe, la juventud, lo dice Villon citando el Eclesiastés, no es más que abuso e ignorancia; hay pues un carácter general semioculto oscuro y triste, pesimista, ocultado por experiencias crispadas y graves problemas de alcoholismo compulsivo, desde los ataques etílicos de histrionismo autodestructivo, de cinismo recurrente, como siendo consciente y evitando constatar así lo que decía Hegel, que la única conciencia posible de la vida es la conciencia del mal de la vida. Pero no pensemos en eso. Al menos no por ahora.

Como digo, se levanta uno cada mañana con ese ejercicio diario de erección agresiva y ostentosa, innecesaria en la soledad de la cama, aunque por otra parte no habría en el mundo destinataria digna de tal alarde eréctil, dirigido contra la nada. Descubrimos lo que tenemos de émbolo, cigüeñal antropomorfo, con configuración interfaz Güindos Equis Pe, es decir de funcionamiento irregular, lo que tenemos de naturaleza inabarcable, imprecisa, salvaje y bárbara, de la jungla que nos habita. Y me pregunto, ¿qué muestra de amor más podría ocasionar semejante despropósito que el amor a sí mismo, metafóricamente proyectado en la oxigenación de unos cuerpos cavernosos y sanguinolentos o quizá la presión del paquete intestinal y las féculas contra la médula? Eso es todo. Qué real y lírica que es la biología, qué sutil e irónica.

Después la vida sigue. Porque cada mañana intenta uno hacerse un peinado ideológico impecable, sin embargo con un jardín salvaje en la cabeza es como mejor se va por la vida. Que te quede claro.

EL VIAJE QUE NO ES

2010-07-05T00:25:00.005+02:00

"No puedo ir ya contigo, Peter. He olvidado volar, y…

Wendy se levantó y encendió la luz: él lanzó un grito de dolor…"

J.M. Barrie. Peter Pan

1. Ciento sesenta y un palabras para viajar a horcajadas de la sintaxis. Cada una un calambre encadenado que nos lleve a un lugar que no haya sido antes, que no se pueda describir, que forme parte del deseo, que no quepa degradar. Nuestras manos corrompen lo que tocan; el deseo se agosta, la belleza se agria. Nunca podemos volver al mismo sitio. (Incluso en el caso de que ese lugar no se haya vuelto irreconocible, el paso del tiempo nos ha hecho irreconocibles a nosotros). No vuelvas. Lo que temíamos ya ocurrió. Mejor imaginárselo tras esas dos palabras capaces de encender la imaginación, de prender la pólvora del viaje antes de dar el primer paso, de encaminarse a comprobar que hay un lugar a salvo de nuestra capacidad para corromperlo todo, empezando por nosotros mismos, que entre las abscisas y ordenadas del cuerpo llevamos inscrita la fecha de caducidad, futura calavera, tibias y todo lo demás.

2. Setenta y cuatro palabras para darnos cuenta de que entre nómadas y sedentarios se siguen dirimiendo buena parte de los litigios, tanto los que llegan a derramar sangre como los que ya resolvemos nuestras disputas de manera civilizada: los que prefieren permanecer en el mismo lugar frente a los que en cuanto tienen la oportunidad se lanzan al camino. Ya sabíamos, el camino era la metáfora clásica de la existencia.

3. Doscientas noventa y seis palabras para glosar el borgiano «ver es recordar», en insistir que todo viaje no es más que una ilusión, aunque todos podamos esgrimir argumentos de carne y hueso, con rasguños en la cuenta corriente y en el escudo de la tarjeta de crédito, fotografías químicas y digitales (ay, cada vez más digitales, y por tanto más efímeras, más proclives a la evaporación, como a fin de cuentas todas nuestras obras, incluso las presas y monumentos que soñábamos perpetuos), direcciones, digestiones, heridas, picaduras, recuerdos, que atestiguan que hemos estado allí donde decimos que hemos ido, que es posible ir, que no está del todo degradado por los que nos precedieron y por los que nos seguirán. La memoria es una fábrica, aunque, y le vuelvo a ceder la pluma (metáfora burda y socorrida: el ordenador es la pluma de esta época que no tuvo tiempo de cantar Marina Tsvietáieva). La memoria es una oficina de objetos perdidos. Nos frotamos los ojos con puños que han crecido tanto que ya no nos caben los primeros guantes de perlé y al mismo tiempo nos quedan holgados los guantes de boxeo que nunca nos enfundamos. Nos lavamos las pupilas con agua de rosas para ver como si fuera la primera vez. Nos preparamos para un viaje que nos redima del tiempo dedicado al oficio de vivir mientras nos damos cuenta de que dilapidamos el tiempo de que disponemos para cambiar la historia (hablo de la íntima, que la revolución se quedó en un archipiélago de cementerios bajo la Luna), pero ¿quién expide visados para tierras ignotas, fuera del espacio y el tiempo de nuestra inconmensurable derrota?

LIFEISHARD

2010-05-30T00:38:00.001+02:00

Click image to enlarge

ISHARDTOBEANARTIST

2010-05-29T13:23:00.001+02:00

Click image to enlarge

FROMTHEDEEPOFMYHEART

2010-05-28T20:44:00.000+02:00

Click image to enlarge

FUCKARTLOVEARTIST

2010-05-25T19:38:00.004+02:00

Click image to enlarge

GIULIAAFTERHOURS

2010-05-23T12:18:00.005+02:00

Click image to enlarge

BACKINROME

2010-03-30T12:40:00.000+02:00

Click image to enlarge

IRICORDITOSCANI

2010-03-28T12:22:00.003+02:00

Click image to enlarge

THEITALIANDREAM

2010-03-27T16:56:00.002+01:00

Click image to enlarge

THECALIFORNIANIGHT

2010-03-26T11:14:00.006+01:00

Click image to enlarge

BACKINCOPENHAGEN

2010-03-24T11:51:00.005+01:00

Click image to enlarge

DOPPELGÄNGER (ESPAÑOL/ENGLISH)

2009-12-05T23:17:00.012+01:00

El Otro es parte de la ecuación y, si me apuran, su variable principal, porque la cámara que lo enfoca, o sea el artista, se nos aparece más como un punto fijo, o un elemento neutro, y el resultado de la combinación de ambos factores, sea este la obra o algo más, es del dominio de lo inefable, por definición. El juego es precisamente ese: mostrarnos aquello que sólo el artista puede realmente interpretar. La perversidad y la sorna son consustanciales a la práctica neovanguardista y aquí afloran por doquier, centrados en “momentos mínimos”, jugando en ocasiones con el contraste entre el virtuosismo académico y la vetada infraplasticidad del bolígrafo; de ahí que esa estética haya quien la relacione, por ejemplo, con el concepto de “falsificación auténtica” de Luc Tuymans.

El Otro tal vez sea el artista. “Hay alguien que se lo está pasando bien y no eres tú, imbécil”, sentenciaban refiriéndose al espectador Jaio y Montornés a colación de mi obra. Comprendo ahora, que esa frase es perfecta y más rica en sugerencias que la mayoría de las obras de Koons y Steinbach, apóstoles de lo que Hal Foster llamó “la escultura de bienes de consumo” en su El retorno de lo real, 1996. Me pregunto si no la vida de artista ha de ser por decreto, en la era de la demistificación mercantilizada y museable, algo parecido a una perenne orgía, una convivencia y connivencia con personajes perfectamente dispuestos a elevar su desinhibición o su insensatez a la categoría de virtudes cardinales y a inmortalizarlas consecuentemente; claro está, hablamos ya del reality show paradigmático, modelo o guía en nuestro deambular por la distopía psíquica, pero en realidad la mera observación de mi obra expulsa al espectador de la bacanal relegándolos al papel de mirones imbéciles: primero hay un entendimiento entre el personaje de la foto y yo –como autor– y después aparece un juego perverso con el espectador, que es un poco voyeur de la vida sentimental ajena. El arte, el cuadro como fiesta privada a la que no hemos sido invitados, probablemente el artista tampoco está realmente invitado a su propia vida sentimental: todo sería, de nuevo, el retrato de una simulación.

El Otro puede ser el momento representado, es decir, lo vuelto a presentar, pero también reconstruido ya que pertenece a otra realidad distinta de la obra en si. Por lo tanto mi obra no es en absoluto tan escéptica como se podría entender, pues tal y como decidí pintar por que sí, en un ejercicio creo que de honestidad como pienso que debe ser toda labor artística en estos tiempos de imposturas, mi obra trata de lo que conozco y de mi entorno, de mi vida, de lo que me gusta y lo que hago, de amigos, amantes, momentos de absurda cotidianidad, extrañamente comunes, hedonismo doméstico con unos toques de delirio y surrealidad de andar por casa. El que se cite El retorno de lo real fosteriano o Contra la interpretación (1966) de Susan Sontag, donde se defiende que la fotografía no es realista sino surrealista al “destruir el significado convencional y crear nuevos significados o contra-significados a través de una yuxtaposición radical”, no significa que mi trabajo sea una mera consecuencia ilustrada de las teorías estéticas de moda sino que, al contrario, es mi propia biografía -la del artista hoy, y especialmente la del pintor culpable de pintar, penúltimo mito- la que es analizada a posteriori por estos autores.

El Otro puede ser el individuo que el artista representa en la obra. No pinto el reality televisado, sino el mío propio, y es así como ambos coinciden en el plano. Las imágenes que constituyen mi obra pictórica representan momentos muy puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron, desconectándolos así de la narrativa de la sucesión de apariencias posteriores que es la realidad, y que la dota de sentido y significado. Ese contexto desde el que se toman pertenece a una esfera privada y personal y como tal, bajo una mirada diferente de la del protagonista o el autor, se definen como imágenes de una memoria que no es la del espectador y por lo tanto desvinculadas de su significado, como sucede con las conversaciones descuartizadas de El ángel exterminador. Pero percibimos algo que subyace en la realidad porque aunque lo real sigue siendo aquello infinito que no se desvela, que se escapa fluyendo siempre sin detenerse, que amplía sus fronteras, revela algo cuando deviene sur o sub real. Y aunque es difícil definir esa impresión, podemos plantearnos que uno debe hacerse su propia óptica y entiendo por óptica una visión lógica, es decir, sin nada de absurdo Lo que él ve realmente sólo puede existir en el cuadro, puesto que todo lo demás es insensato, mudo e incomprensible: es de nuevo la forma en sí misma de la obra (aquí plena conscientemente vaciada de contenido y de sentido) y la labor del artista, lo único que en realidad vemos (y accesoriamente, lo que permite distinguir al arte de su simulación).

El Otro sería incluso el individuo que representa al artista en la obra, sin ser éste el artista.

El Otro es, al fin, el Doppelgänger.

Click image to enlarge

The Other is part of the equation and even its primary endpoint, because the camera that focuses on it, or the artist, appears more like a fixed point or a neutral element, and the result of the combination of both is the domain of the ineffable, by definition. The game is exactly that: showing us what only the artist can really understand. The perversity and sarcasm are part of the neovanguardist practice and appears everywhere, focused on the "minimum moments", sometimes playing with the contrast between the academic virtuosity and infraplasticity of the ballpoint pen, so early that these aesthetics can be related, for example, to the concept of Luc Tuymans’ "authentic falsification".

The Other is perhaps the artist. "There is someone who is having fun and it isn’t you, asshole", referring to the viewer, wrote Jaio and Montornés talking about my work. I understand now that this phrase is perfect and more full of suggestions than the great majority of works by Koons and Steinbach, apostles of what Hal Foster called the sculpture of consumer goods in his The Return of the Real, 1996. I wonder if the artist's life must be by decree, at the age of the demystification changed into market and museum pieces, something like a perpetual orgy, a life with characters perfectly willing to raise their disinhibition or their folly to the category of cardinal virtues and being immortalized this way. Of course, we are already talking about the reality show exemplary, model or guide of our wandering around the psychic dystopia, but in reality the mere observation of my work ejects the spectator from the bacchanal, puting him in the role of a stupid voyeur: First there is an understanding between the person in the photo and I, as the author, and later, a perverse game with the audience, which is a voyeur of the sentimental life of others. Art, the painting as the private party where we have not been invited, and probably the artist is not really inviting you to his own sentimental life: everything would be, again, the portrait of a simulation.

The Other may be the moment represented, what is being presented again, but also reconstructed, because actually it belongs to some other reality than the artwork itself. So my work is not nearly as skeptical as you might understand, since, as I decided that painting itself might be an exercise in honesty, as I think should be any artistic work in these times of shams. My work talks about what I know and my surroundings, my life, what I like and what I do, friends, lovers, everyday moments of absurd, strangely common moments, domestic hedonism with a touch of surreality delirium and homespun. The quote of Foster’s "The return of the real" or "Against Interpretation" (1966) by Susan Sontag, which argues that photography is not realistic but surrealistic, because by “destroying conventional meaning and creating new meanings or counter-meanings through radical juxtaposition”, it doesn’t mean that my work is merely a erudite consequence of trendy aesthetic theories but on the contrary, it is my own biography (the artist’s today, and especially the painter feeling guilty of painting, the last myth) which is analyzed retrospectively by these authors.

The Other can be the one who is represented in the artist's work. I do not paint the reality televised, but my own one, and that is how both of them match up on the plan. The images that are my paintings represent very specific moments, separately and independently of the context in which they occurred, disconnecting them from the narrative of the succession of subsequent appearance that is reality, and that gives them meaning and significance. That context from which they are taken belong to a private and personal sphere and as such, under a different view from that of the protagonist or the author, are defined as images from a memory that does not belog to the viewer and therefore disconnected from their meaning, like the dismembered conversations of Buñuel’s El Ángel Exterminador. But we perceive something behind reality, because although reality remains like the infinity is never revealed, it escapes always flowing without stopping, extending its borders, revealing something when it becomes sur or sub real. And although it is difficult to define such an impression, we should have our own perspective and I understand optic as a logical vision, without any absurdiness. What he sees really can only be seen in the painting, because everything else is foolish, dumb and incomprehensible: it is again how the artwork itself (here fully consciously emptied of content and meaning) and the work of the artist, the only thing we actually see (and incidentally, what distinguishes the art of simulation).

The Other would be the one who represents the artist in the artwork without being the artist himself.

The Other is, finally, the Doppelgänger.

ENTREVISTA EN REVISTA CLAVES DE ARTE

2009-10-04T14:16:00.003+02:00

"Juan Francisco Casas (Jaén, 1976), artista de la Galería Fernando Pradilla en Madrid y de la Galería Sandunga en Granada, nos habla en profundidad sobre su trabajo.

RCA: ¿Las fotografías de las que saca sus obras son fotografías personales o recoge fotografías de otros lugares?

JFC: Siempre personales, considero el componente autobiográfico una parte importante de mi trabajo.

RCA: ¿Qué le aporta el bolígrafo como técnica que no consiga con otra? ¿Cuál es la necesidad que le impulsa a usar esa técnica en lugar de otra?

JFC: Son circunstancias meramente conceptuales: el uso del bolígrafo es algo completamente pertinente al discurso de la obra. Es una herramienta completamente ajena a los procedimientos artísticos y que nos remite al mundo juvenil del que la obra en su totalidad participa. Intento así que exista una sintonía entre el mensaje y el medio empleado que hace emerger una sugerente carga connotativa. Es por esto, también, por lo que es siempre azul, color que indudablemente asociamos al bolígrafo y a la escritura. Las obras juegan con la idea de la técnica y el virtuosismo academicista, resultando la obra paradójica y contradictoria a varios niveles: en primer lugar, por el acabado fotográfico (por estos medios tan poco comunes en este contexto, pero tan habituales en la vida diaria y por la imagen en sí, tan evidentemente azul, subrayando el medio) y en segundo lugar, también resulta paradójica conceptualmente (tan cotidiana y banal, pero técnicamente tan cuidada y meticulosa).

RCA: Le da gran importancia a los títulos de tus obras, que a menudo aportan una clave interpretativa, ¿desea que el espectador llegue a captar el mismo significado que tiene la obra para usted o prefiere que imagine otras posibilidades sugeridas a través del título?

JFC: En realidad muchas veces crean más confusión que otra cosa, por esto mismo se escriben sin separación entre las palabras, es una manera de subrayar la confusión que en ocasiones también crea la imagen en sí.

RCA: A menudo y desde el comienzo de su trayectoria artística vemos representaciones profundamente sexualizadas de mujeres jóvenes en sus obras ¿Cuál es el poder de atracción de esa figura dentro de su universo artístico?

JFC: Me interesa la idea de representación pictórica tradicional de la mujer, el contraste que supone la nueva imagen de la mujer desde el punto de vista del hombre y cómo, a lo largo de la historia del arte, el sentido de ser de la mujer en su representación artística es suplantado por el hecho de ser apreciada como tal por otro. Evidentemente, las convenciones que han dado lugar a estos esquemas representativos no están superadas, aunque sí están siendo quizá replanteadas. Hasta hace relativamente poco, nacer mujer ha sido nacer para vivir en un espacio, bajo unos comportamientos y una imagen asignados por el hombre y por ello las representaciones pictóricas de éstas también estaban codificadas y planteadas según dichos parámetros. Así, en las obras de arte tradicionalmente el papel de los hombres era muy diferente al de las mujeres, así como su fin. Mientras que en la representación del hombre se plasma la imagen que éste quiere trasmitir, la representación de la mujer es la imagen que el hombre quiere que ésta tenga. Es una imagen subordinada: en palabras de John Berger, en las obras “los hombres actúan, las mujeres aparecen”. La imagen de la mujer ha sido continuamente examinada desde fuera. Su propio sentido de ser ella misma ha sido suplantado por el sentido de ser apreciada como mujer por otro.

RCA: ¿Entonces qué papel tienen las mujeres en sus obras?

JFC: Las mujeres en mis obras no sólo actúan, sino que además actúan como ellas quieren, es decir, los parámetros de la representación de su imagen son establecidos completamente por ellas como definición de su propia identidad y en relación a ser presentadas dentro de una obra de arte. También tiene mucho que ver lo que suponen dentro de mis propias circunstancias biográficas. En muchas ocasiones, como parte de mi proceso, es la propia modelo la que elige cómo quiere ser representada e, incluso, la imagen final.

RCA: ¿Cree que aún existe la transgresión o incluso la mera perturbación a través de la sexualidad? ¿Nota en el público que la sexualidad evidente aún choca?

JFC: Existe sin duda, pero no es esto lo que busco en principio, aunque resulte un efecto colateral de mi obra. Recuerdo que en la Bienal de Praga en la que participé había un cuadro realista de gran formato de dos soldados nazis practicando sexo anal. En ese caso era evidente lo que se buscaba. En mi caso son escenas, creo que bastante cotidianas, y en estos casos lo interesante es cómo funcionan éstas en el transvase del ámbito privado al ámbito público. De cualquier modo, cuando la obra se circunscribe dentro de unos parámetros marcadamente autobiográficos, de manera inevitable, surge el sexo como parte importante de las relaciones. Quizás me interesan más estas relaciones que el propio sexo, a pesar de que éstas se manifiesten a través de él.

RCA: Díganos tres o cuatro conceptos a los que tengamos que atender al contemplar una de sus obras.

JFC: Es muy complicado resumirlo todo, especialmente para uno mismo, pues por la misma cercanía y falta de perspectiva cuesta ser consciente de todas las referencias. Me interesa el contraste entre la ortodoxia académica, que sólo existe en su carga mimética, y el uso de medios como el bolígrafo; la elección de temas carentes de la menor trascendencia, entendida en términos convencionales; la imposibilidad de extrapolar ciertos conceptos desde la esfera de lo real a la esfera de lo artístico: lo banal se convierte en trascendente dentro del espacio pintado; el "hedonismo doméstico" ; la ironía de la labor artística; los momentos puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron; el retrato entendido como un soporte y un medio, pero no un fin. Las caras y los cuerpos de otras personas como medios para contar mi propia vida…

RCA: ¿De donde viene su gusto por lo cutre, en el sentido de doméstico, de casero?

JFC: Viene de la vida misma. Siempre me interesó la estética de las imágenes que todos tomamos de casa, de nuestra vida, precisamente por esta falta de estética, de pretensiones, por la rapidez e inmediatez y por lo que tiene de real y de vivo, por lo que tiene de deseo de congelar para siempre un momento de felicidad, de tenerlo y detenerlo para siempre. Un fracaso irónico, pues ese momento siempre pertenecerá al pasado.

RCA: ¿Cuál intuye que será su evolución técnica más a corto plazo? ¿Se aburre del bolígrafo? ¿Quizá una vuelta absoluta al óleo? ¿Se plantea introducir alguna técnica nueva, que pueda mezclarse con las que trabaja habitualmente?

JFC: El óleo siempre ha estado ahí. Desde luego que seguiré en ello, aunque me siento muy cómodo con el dibujo y el bolígrafo ciertamente cumple con mis objetivos discursivos a la perfección. Sin embargo, uno siempre experimenta con diferentes cosas y nunca sabe donde llegará. El camino esta siempre por andar."

Enlace en :

http://www.revistaclavesdearte.com/reportajes/20230/Entrevista-a-Juan-Francisco-Casas

SPAGHETTI ALLO SCOGLIO

2009-08-15T23:35:00.000+02:00

Ricetta per cucinare gli spaghetti allo scoglio nel modo di Giulia in 49 secondi. Bon Appetit.

Mi última noche en Viareggio, mis últimos deliciosos spaghetti allo scoglio, mis últimos mojitos rodeado de lamborghinis y ferraris, extraña velada, hermosa y triste, helada noche, ardiente noche, divertida, dolorosa y dulce, como una nueva adolescencia que perseguirnos hoy por las salas vacías. Ya en el avión, viendo la Piazza dei Miracoli, Pisa, Italia... desde el cielo, no puedo evitar pensar en Shelley. El 8 de julio de 1822, poco antes de cumplir los 30 años, el poeta inglés Percy Bysshe Shelley pereció ahogado en una repentina tormenta mientras navegaba en su velero, el Don Juan, y su cuerpo apareció en una playa de Viareggio. Fue incinerado en la misma playa y sus cenizas reposan en el cimitero acattolico de Roma. Sin embargo su corazón fue extraído antes de la cremación y preservado siempre por su esposa.

TOSCANA BASEL GAGOSIAN

2009-06-25T13:13:00.000+02:00

Mientras tomo el sol con Giulia en una playita toscana se inauguran las ferias de Basilea y la galería Gagosian factura en el primer día 7 millones de dólares…

Yo me dedico a la vida contemplativa, vamos a Florencia a la ópera, Aída en el Giardino di Boboli del Palazzo Pitti con montaje de Mitoraj, hago cinco tortillas de patatas para mojito party en casa de Giulia que acaba como el rosario de la aurora, me hincho de spaghetti allo scoglio y me preocupo poco por el mundo del arte contemporáneo, desconecto, que falta hacía…

En fin, nuestras ventas en Basilea son ligeramente más bajas que la Gagosian, pero van bastante bien, el primer día se venden 5, y en el cómputo total se vende casi todo. Desde luego, después de ver la facturación de la Gagosian y leer en ABCD sobre la exposición de la colección François Pinaut en la punta de la Dogana y el Palazzo Grassi de Venecia hablando sobre la Gagosian (teóricamente la mayor y más importante galería del mundo) con su “amplísima escudería Gagosian (Prince, Sherman, Koons, Tombly, Kusama, Kippenberger, Sugimoto)”, como “galerías-emporio, aquellas a las que suelen llegar los artistas de éxito cuando quizás ya no tienen mucho que decir, pero si mucho que vender” y me pregunto, desde el más absoluto de los vértigos ahora que esta galería ha contactado conmigo y mostrado su interés en mi obra, qué pinta alguien como yo allí…

SCOPE NEW YORK

2009-04-25T18:27:00.010+02:00

Scope New York resulta una feria muy manejable, con el tamaño perfecto para verla bien y detenidamente en una tarde, muy céntrica al lado de Central Park. En el Lincoln Center, a menos de 20 metros de donde se celebra Scope, está también la famosa Metropolitan Opera con los espectaculares y enormes frescos de Chagal. El nivel de las galerías es alto, hay mucho bueno y se respira un aire de arte muy joven bastante interesante. Eso si, que hartura con el arte chino, todo happyhappy y teniendo en cuanta que viven bajo una dictadura me resulta curioso. Detecto una contradicción inherente a la situación concreta de estos artistas. Al final resulta que todo se repite, la misma maniobra que hizo el franquismo de pretender normalizar la imagen de la cultura española en el exterior con la promoción de artistas de vanguardia pero políticamente inocuos en los que se refiere a la crítica. Por eso le fue bien a Tapies y compañía en la Bienal de Venecia mientras Arroyo se tuvo que largar a Paris (recordemos que casualmente Tapies inició sus reivindicaciones nacionalistas con los cuadros sobre la bandera catalana cuando el dictador ya estaba muerto y enterrado). El caso es que nos quieren vender que en China el arte que se hace es de vanguardia, de lo que se podría deducir que el artista tiene libertad creadora, sin embargo que se lo digan a Gao Xingjian.
Bueno, banalicemos, en la inauguración dan gran variedad de canapés muy modernos y riquísimos, vino y botellines de cerveza Grolsch para reventar. A las azafatas no sé que les dan de comer (poco en cualquier caso) pero que ninguna bajaba del metrochenta y pasaba de los cuarenta kilos, simpatiquísimas para más INRI, modelito microminifaldero y taconazos de los de Letizia. En fin, que lo que ARCO reserva para sus vips, en la mismísima Nueva York se reparte para todo quisqui. Irónico. Al final parece que Scope tiene lo que ARCO olvidó en el camino.

A pesar de que se vendió, las ventas resultaron flojas para todos. Parece que el mercado del arte americano esta ahora mismo como el inmobiliario en España, los precios artificialmente altos han hecho que ahora el coleccionista esté muy parado y eso al final nos afecta a todos.

Sin embargo lo demás fue excepcionalmente bien, hablan de las obras en todos sitios, hasta en la revista Art in America:

Scope's tent at the Lincoln Center is a crowded, warren-like arrangement, complete with a rabbit's hole that leads to the coat check and a multipurpose performance, bar, gallery, and boutique space fittingly called "Cheap Fast & Out of Control." A youthful sensibility runs through many of Scope's exhibits: Juan Francisco Casas' hedonistic Bic pen portraits of twenty-something's frozen in mid-celebration and Comenius Reothlisberger and Admir Jahic's illustrations of stills from YouTube videos appeal to the predominantly under-35 crowd that ebbs and flows between the fair's nooks an crannies with bottles of Grolsh lager in hand.

Y en cada página en la que habla de Scope destacamos, en The Art Collectors:

Finally, the ink drawings of Juan Francisco Casas, rendered entirely with Bic ballpoint pen, were a clear triumph for Fernando Pradilla Gallery. More on that soon, when we post a Focus highlighting his art.

En Scallywag and Vagabond dicen:

Next, hailing from “Madrit” is superstar artist Juan Francisco Casas represented by Galeria Fernando Pradilla. You want a Jeter, this guy is a Jeter. Juan reproduces his own captured photos in the form of large oil canvases typically of young and free beauties in fleeting moments of fun. But in this particular Aquafan Series, they’re all done with a Bic pen and the details are just breathtaking. Every stroke of cheap one-dollar ink is so precise that the astounding effects are awe inspiring and the use of blue only adds to the haunting effect that these are just ghosts of some great night out.

Por lo que leí después en la prensa y la red, la feria fue un exitazo, calidad y público, a pesar de que las ventas tuvieron la rémora de la crisis, hay hasta quien la destacaba por encima de las otras ferias neoyorquinas, Armory, Pulse, etc. En general el stand fue un éxito estaba siempre abarrotado, muchísima gente se interesa, público, críticos y galeristas, entre ellos los de Gagosian, casi nada... La visibilidad es lo importante en Nueva York, quedó magnífico montado, muy bien situado a la entrada, siempre repleto de gente que nos felicitaba, muchísimas personas nos dijeron que era lo mejor de la feria y hasta salimos en la nota de prensa oficial de Scope.

Después de esto toca la feria de Miami, Arteaméricas, la de Sao Paulo, la de Buenos Aires y ya en junio Basilea; más vueltas que Willy Fog…

NUEVA YORK

2009-04-25T18:22:00.000+02:00

Que manera de empezar el viaje, nos ponen en el avión la película Australia y creo que ninguno nos esperábamos semejante cosa, jodidamente mala, con momentos de una vergüenza ajena, plena y sincera como hacía tiempo que no veía. Ese intento de Memorias de África pero con una requetebotoxizada Kidman en lugar Meryl Streep, pasada por el tamiz épico de Lo que el viento se llevó, el pobre de Jackman no tiene ni por asomo el carisma de Gable. En fin, que nos reímos todos muchísimo, lo que pasa es que la película no pretendía ser una comedia… Lo más gracioso es que iba Amenábar en el avión… ¿que pensaría del último trabajo de su amiga?
Aterrizamos en medio de una tormenta de nieve y hace un frío del carajo…
Después de despertarme a las 5 de la mañana por el jet lag la primera para la hacemos en el Natural History Museum y el Planetario Hayden por petición de Giulia, cruzando primero a pie un Central Park precioso todo cubierto por la nieve, que parece una escena de Doctor Zhivago. En el museo da un poco de mal rollo tantísimo bicho muerto, pero resulta un sitio interesante. Eso si, no tienen el negro de Bañolas.
El Guggenheim, es como el de aquí, un edificio estrella para un contenido que puedes ver más y mejor en otros museos de la ciudad. Todavía no entiendo los guiris que van al de Bilbao en lugar de ir al Prado o al Reina Sofía. Eso si, con los ascensores rotos, la rampita del amigo Lloyd Wright se hace bastante cuesta arriba, un coñazo verdadero.
En el MOMA aluciné con la magnífica expo de Martin Kippenberger. Me encantaba antes y más me encanta ahora y desde luego lo del MOMA es un ejemplo de cómo montar una exposición extensa, completa y compleja, verdaderamente extraordinaria. Además el museo en sí es una colección extraordinaria. Desde luego que junto con el Met te dejan con la boca abierta, (menos mal que vimos el Guggenheim antes, por que si no éste hubiera resultado decepcionante). En esos sitios entiendes que Nueva York es otra cosa, ninguna ciudad del mundo tiene nada que ver. Precioso el cuadro de Tuymans.
Impresionantes las vistas del Rockefeller Center, además fue el primer dia que hizo bueno y Nueva York se veía espléndido.
En el Instituto Cervantes vamos a la inauguración de la expo de los premios ABC de los últimos diez años y descubrimos que aparte de mi obra (ganadora del ABC en 2004), están otras de mis amigos Germán Gómez, Moisés Mahiques y Santiago Ydáñez. Hablamos diez segundos con Fernando Castro Flores, en su salsa, (obviamente primero reconoce a Giulia y la saluda efusivamente, si es que al final la cabra tira al monte) y un poco más rato con Pilar, que dejó Roma por Nueva York y la Academia por la Fullbright, aunque los recortes presupuestarios del Ministero la están haciendo polvo. Es un poco triste volver a exponer con gente de la Academia, ver a Pilar y a Fernando, pero no estar todos y podernos ir a celebrarlo al Baretto…
Descubrimos el restaurante Sapporo, un japonés sin sushi, bueno, barato, y de servicio velocísimo, creo que cenamos allí como tres veces… cuando a Giulia le gusta algo…
Nos gastamos un dineral en compras, pero cumplimos todos los objetivos marcados, hasta María se compró una cosita de Armani en la 5ª Avenida, aunque solo fuera por contarlo.
Del Metropolitan es imposible hablar… te deja sin palabras… imposible verlo entero, no ya en un día, en meses… una colección brutal, extraordinaria y en lo que a cantidad se refiere, como el Louvre y el Prado juntos…
Desde luego no hay nada como Nueva York.

ARCO Y SUS CIRCUNSTANCIAS

2009-02-25T18:43:00.000+01:00

El ARCO de este año fue de lo más extraño. Durante las primeras horas había un sentimiento de pre-pánico tipo “ay dios mío la que se nos viene encima” y luego resultó todo lo contrario. Al menos en Sandunga, donde exponía yo junto a Jesús Zurita, Carlos Aires y Simón Zabell, las ventas fueron las mejores que se recuerdan. En el stand me encuentro con mucha gente que no veía hace años, Frederic Montornés, que me pilló para mi primera expo en el Injuve 2002, Elisa Hernando, que me fichó para Fernando Pradilla, Jacobo Castellano, que fue compañero mío de clase en la facultad, Chico López, Paloma Gámez, Ángeles Agrela (que se queja de que mis obras están muy caras, así que le propongo un intercambio), Jesús Conde, mi profe de dibujo de 1º, un montón de antiguos clientes (exultantes al comprobar que lo que ellos compraron en 2008 por 4.000 ahora vale 14.000) hasta me presentan a Luz Casal. Con Zurita y Miguel Ángel Tornero comiendo al solecito hablamos de bizarras guarrerías y parafilias sexuales varias. Hecho un par de horas con Aliskilla a la que le hace mucha ilusión verse en tetas expuesta en ARCO y recordar nuestras noches locas en Roma cuando hicimos esas fotos. Por la tarde me encuentro con Cristina Dakota, bella arquitecta en ciernes, que me para al curioso gritito de “hombre, el del meneíllo” y vemos juntos algo de la feria entre ello lo de Enrique Marty, que como diría Giulia, “gnignigni…”. Compro una de las piezas de Amaya González de su proyecto “Yo gasto” y hago como 7 u 8 entrevistas; siempre digo lo mismo, quizá porque siempre me preguntan lo mismo...

En cuanto al nivel de la feria, pues el habitual, un poco de todo, con una sospechosa tendencia a lo correcto a secas, en la peor de sus acepciones. Mucho espacio libre y pasillos diáfanos, aunque no gracias a la organización sino más bien a la crisis que hizo retirarse a muchas galerías. Me entero de que Luis Adelantado ha roto sus relaciones no sólo con Santiago Ydáñez sino que también con Moisés Mahíques y Miguel Ángel Tornero, lo cual quizá explica su stand, bastante flojón, con mucho artista extranjero tirando a regular. Parece que a veces por puro snobismo típico de estas tierras se deja a magníficos artistas españoles para llevar a extranjeros mediocres. Me gustan especialmente los vinilos de Carlos Aires en Sandunga, el video de PSJM en Espacio Líquido, Fernando Gutiérrez en Lucía de la Puente, Pablo Cardoso en Solo Projects, Jacobo Castellano en Fúcares y en el stand de la Junta de Andalucía, Ángeles Agrela en Magda Belloti y algunas cosillas más.

No se entienden muchas cosas de este ARCO, esperemos por el bien de todos que sea más bien consecuencia de la estupidez del que suscribe que de la ignorancia de la organización: No se entiende la escasa presencia de galerías iberoamericanas, área cultural prioritaria, esto es, podría haber sido nuestro ámbito de intercambio natural si hubiéramos decidido de una vez por todas pintar algo en el panorama internacional. Tampoco se entiende la selección de galerías extranjeras en general, sin duda el resultado una estrategia de países invitados casi aleatoria incapaz de producir frutos a largo plazo. Parece que en cuanto a las galerías españolas, se necesita más criterio, objetividad, si se puede hablar en estos términos en el campo del arte. Se necesita una maniobra de urgencia, seriedad y coherencia, antes de que se vaya todo al garete, pero sobre todo menos clientelismo. Desde luego las avenidas desangeladas en los pabellones producían una extraña sensación de vacío, diríase que muy metafórica.

Art Madrid era otra cosa, por la tarde en el Palacio de Cristal la luz y las vistas de Madrid eran un lujo, aunque la mayoría de las galerías resultaron de lo más flojas. Fernando Pradilla, exiliado de ARCO por la nueva dirección, tenía como 4 o 5 stands, con obras que iban desde Boteros de 900.000 euros hasta una magnífica representación de Germán Gómez, todo bastante por encima de la media general de la feria. No estaba Art Madrid a la altura de la propuesta de Fernando. Se interesa mucha gente por mis obras allí expuestas, entre ellos el encantador director de Museo de Arte de San Francisco, con el que hablo un buen rato. Me hace gracia ver a la salida a la azafata de información, aburrida, haciendo un retratillo con boli Bic azul.

En cuanto a jolgorios y eventos jocoso festivos paralelos a las ferias, Jose y yo fuimos a la fiesta de Matadero y después de varios güisquises nos encontramos allí a Maria Elena con la que hablamos de su tierra toscana (y planeamos repetir su fiestón/concierto/comilona de mayo del año pasado en su casa de campo de Siena), Cristina Dakota, again, Pancho, simpatiquísimo interiorista de Oh!home. No sé como me las apaño pero siempre acabo rodeado de arquitectos. Casi a las 3 veo a los artistazos Paul Ekaitz y Santiago Ydáñez, que iba contentísimo por que se acababa de colar a la zona vip por el último gintonic que quedaba. Me gusto Matadero, un espacio muy útil, rehabilitado con gusto, pero acabamos cascaos.

El sábado, ya con toda la obra vendida y más tranquilo, echamos una comilona vegetariana los exbecarios, más Kuba y María, idea de Dianita y Marta, en su salsa entre tofus, sojas y demás. Luego juergón con todos, también Aliskilla y Jakob, vamos al Café de la Palma y al Fotomatón y de ahí pasamos a casa de Jose a disfrutar de las vistas nocturnas y de su jamón pata negra hasta las 6 de la mañana.

Casi sin dormir y resacoso, salgo pitando para mi estudio de La Carolina a terminar el dibujo grande que me queda para Nueva York. De verdad que Madrid me mata. Una vez batido el récord mundial de dibujo non-stop y terminada la obra del tirón lo recogen en taxi (¡!) y se lo llevan a Madrid para enmarcarlo, meterlo en la caja y a la aduana. Todo contrarreloj como en un buen thriller.

ESO MISMO

2009-02-06T11:21:00.013+01:00

Se puede leer hoy un artículo en el Diario de Mallorca sobre mi obra que me ha gustado especialmente. Su autor, Daniel Capó, expresa en palabras lo que algunos intentamos expresar en imágenes:

"Fue Diego Salazar quien me habló por primera vez de la obra del pintor Juan Francisco Casas. Antes habíamos tomado unas cervezas con el escritor boliviano Edmundo Paz Soldán, del cual ultimábamos una nueva edición de Río Fugitivo, novela que lleva camino de convertirse en un clásico de la literatura hispanoamericana más reciente. El libro de Edmundo es una bildung asombrosa -lejanamente influida por Vargas Llosa- que delimita un territorio mítico donde la pérdida dolorosa de la infancia confluye con el poder, la corrupción y el desengaño. A la salida del bar -hacía frío, anochecía- nos pusimos a conversar sobre un pintor que a mí me gusta mucho, Damián Flores, quien iba a inaugurar una exposición sobre el Madrid racionalista. Fue entonces cuando Diego nos habló de Juan Francisco Casas a quien había entrevistado recientemente, creo que para Letras Libres: "Es un pintor fascinante -nos dijo-. De lo mejor que hay ahora en España".Apodado Bicasso por la prensa inglesa, Casas es un pintor sorprendente. Sus cuadros, de más de dos metros, son un retrato a boli Bic del rostro sombrío y sensual de la noche. Por ellos deambulan las mujeres, el sexo, las copas, los rostros, la ropa interior, los gestos detenidos en el tiempo, las muecas, los labios, los ojos... la mirada de toda una época que, en cierto modo, también es la mía. Me refiero a una generación -la nacida en los 70- que llegó a la vida adulta en los 90 y cuya educación sentimental -de copas y de noche- dibuja Casas con precisión. Su obra refleja la soledad metafísica de sus protagonistas a través del jadeo casi sexual de unos cuadros que quieren quebrar el silencio, fracturarlo para que, a través de sus grietas, penetre la luz. Son cuadros sobrecogedores porque el nihilismo se encuentra allí como un gemido inconsciente, como un anhelo, a menudo truncado, de amor. El uso obsesivo de la tinta azul del Bic funciona también como una plancha nítida y depurada de la realidad; una realidad cotidiana, sucia, intrahistórica en el sentido que Benjamin le daba a los grandes relatos. Quiero decir que para Casas no somos pobres en historias memorables, sino que los relatos de nuestro tiempo se narran en la soledad cotidiana: una noche de alcohol, un rostro desconocido en la barra de un bar, los ojos de una amante que quizás no volvamos a ver. La realidad es perturbadora, nos viene a decir con sus cuadros su autor, pues la belleza -como sabían los griegos- enlaza con el espanto. Kierkegaard nos hablará del temor y del temblor para referirse a una fascinación similar.

La pintura de Casas apunta hacia una verdad indefinible, que se sustancia además en el tiempo y que, en cierto modo, nos redime. La frágil soledad de algunos de sus retratos son rostros convertidos en memoria, como un atlas de la carne que desea volver a la vida y escuchar de nuevo una sola palabra que le fue susurrada al oído cuando nacía el día".

TOSCANA, MILÁN, VENECIA, TOSCANA

2009-02-01T17:01:00.001+01:00

Celebro mi segunda nochevieja toscana, cambiamos la espectacular mansión campestre de Ciro y la fiesta multitudinaria del año pasado por la casa de Giulia y una cena en petitcomité con Katia y Giacomo, eso si, igual de divertido que el anterior y a tutiplén de todo, nivelazo, que una noche es una noche, Dom Perignon, langosta, ostras y caviar ruso que trajo la abuela de Katia de su Rusia natal… y yo con mi modesta aportación del paté de perdiz de mi pueblo, que estaba riquísimo acompañado con las cebollitas que había confitado con Grand Marnier… en fin, sin privarse de nada… hacemos una especie de ritual de año nuevo ruso con el Dom Perignon, (se escribe un deseo en un papelito, se quema y se echa en el champán y se bebe, a ver si da buena suerte, por que precisamente buen sabor al champán no le dio). Acabamos a las tantas, bastante ciegos, una vuelta en el Mini de Katia por la ciudad a ver el ambientillo pero tal y como íbamos duramos poco. Nos pasamos el primero de año jugando a la wii resacosos y en pijama.

Ponemos una nota cultural para empezar el año y nos vamos a Milán a ver el maravilloso Cenacolo de Leonardo. La impresión que produce es inenarrable, desde luego es de un tamaño más que considerable y a pesar de que el estado de conservación es lamentable, dada la técnica empleada y los avatares del tiempo, bombardeo aliado en la II Guerra Mundial incluido, sigue trasluciendo lo que debió haber sido. Desde luego parte de ese efecto se puede entender observando el fresco que se enfrenta a la obra de Leonardo en el mismo refectorio, una obra pintada en los mismo años y en la que se entiende, por contraste el infinitamente superior nivel, técnico, compositivo y conceptual de Leonardo en su época. Luego nos vamos de compras por Milán a via Montenapoleone, bueno más bien a H&M, que no está el presupuesto para Armanis… Precioso el edificio de Zara, un cine o teatro de principios de siglo restaurado con unos mosaicos y unas gigantescas lámparas maravillosas. Hace un frío tremendo y después de cenar en un mexicano nos vamos al hotel.

La siguiente parada es Venecia, después de disfrutar de la arquitectura de la imponente estación de tren de Milán. Desde luego hay algo mágico en la llegada a Venecia en tren, como si de una escena de El Viaje de Chihiro se tratase, entramos en la ciudad con las vías rodeadas por agua. Venecia es irreal, inexplicable, el hotel Ruzzini Palace, donde nos hospedamos, es de ensueño, una casa señorial toda llena de frescos y enormes lámparas de Murano. Venecia a bajo cero y en plena crisis es una gozada, casi sin turistas, ni colas para entrar a los sitios. Un gustazo. Alucino con Tintoretto, con su obra y con su productividad, que no sé cuantos cientos de metros cuadrados de pinturas suyas pudimos ver en cinco días. Disfruto en la Scuola Grande di San Rocco hasta dejar a Giulia en coma y es que estábamos dentro a bajo cero y fuera ni te cuento. Hasta nos nevó. Fuimos a Murano, nada especial, más bien por asuntos de trabajo de Giulia, por lo menos nos regalan un caballito que hicieron delante nuestra. Un poco hortera todo, la verdad. Teniendo en cuenta la oferta gastronómica veneciana, con sitios o extraordinariamente caros o extraordinariamente malos o simplemente caros y malos (la mayoría) repetimos varias noches en la Hosteria Al Vecio Bragosso, comida exquisita, pescado y marisco veneciano, a precios razonables, y con un poco de propina nos trataron como a reyes. Palazzo Ducale, San Marco, Santa María de la Satute (con una colección de menos 20 pinturas, pero todas magníficas, varios Tizianos incluidos) aunque me faltó la Galería dell’Academia, para otra ocasión. Para irnos con mal sabor de boca, Giulia se empeñó en ver el puente de Calatrava que resulta, como me temía, una mierda impresionante y es que esta moda por parte de los políticos, diputaciones, alcaldías y demás de tener una obrita de un arquitecto de marca en sus fueros, esta resultando especialmente jodida en ciudades como Venecia, donde cualquier otro arquitecto menos conocido hubiera puesto mucho más interés, tiempo, ganas y talento a una obra de esa importancia, además seguramente hubiera cobrado menos. Que se lo digan a Bloomberg y los neoyorquinos con la estación del antiguo World Trade Center. Lamentable.

De vuelta a Empoli nevaba como en Siberia. Termino de leer Gomorra en el tren, sobrecogido y no precisamente por el frío. Vuelvo un poco al trabajo, pero sin excesos, los excesos se hicieron con la wii (invento del demonio, con el codo destrozado como si hubiera llegado a la final de Wimbledon) y con la bisteca fiorentina. Después de un mes enterito en Italia me vuelvo a España a terminar de preparar la exposición de Nueva York. Al final enero se pasó volando.

PERO QUE INVENTIO ES ESTE...

2008-12-24T02:07:00.010+01:00

ROMA EN MADRID

2008-12-18T18:10:00.015+01:00

A la 1 de la mañana empiezo a ver Tu ridi de los Taviani y sólo lo hago por que comienza con un plano maravilloso de Roma de noche desde el Gianicolo, exactamente la misma vista que tenía desde mi estudio en Roma, la vista que me acompañó cada noche durante un año … Otro día me sorprendo a mi mismo tragándome un bodrio americano de adolescentes hormonados en viaje de estudios en Roma, sólo por que es en Roma… y cómo sale Roma… que maravilla, la película no, una especie de vacaciones en Roma pero sin Audrey, sin Gregory y sin nada, solo está Roma… siempre Roma… Creo que esto ya si es grave. Muy grave.

Me llega hoy la enorme caja con las obras de la Academia que estuvieron expuestas en Roma en junio y en Madrid hasta ahora. Teniendo en la mano cada uno de los dibujos, no puede uno sino que recordar la gente ahí representada, Giulia, Aliskilla, Kaori (la modelo de Araki y desde aquella tarde, también mía) y a toda Roma. Y esa semana en Madrid, con todos reunidos para la expo, aunque creo que la expo era lo de menos. Maravillosos los días allí con todos, vino Giulia desde Italia, Ángel desde Suecia, Pilón, Iván y su novia desde Galicia, Moisés y Vicent desde Valencia y todos los madrileños, que estaban por allí. Maravilloso el buen rato con Ángel, Pilón y Giulia en el Maño, que mojitos más ricos en el café de la Palma, y ese bellezón de camarera. Maravillosa Marta como siempre, y maravillosa su idea de comer todos juntos en la Luna Rossa, restaurante napolitano, con Martina en su salsa, todos allí, era como oler, saborear, sentir otra vez Roma y todo lo que representa.
La inauguración en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, estupenda, si no hubiera sido por la brillante idea de dar el catering en la sala de las escayolas mientras la expo era en la sala de la calcografía, con lo que los que vinieron por las cerveza no vieron al expo, y lo que vinieron a ver la expo (artistas incluidos) no pillaron ni un canapé… Hasta había un segurata que no dejaba pasar ni una caña a la expo… Cómo se puede ser tan estúpidos… Hacía varios años que estaban peleados con la Academia de Roma y no querían exponer la obra de los becarios de Roma, por ignotos asuntos personales, al final los jodidos son a) los artistas becados y b) el público en general que con sus impuestos mantiene una institución cuyo servicio social a veces es cuestionable… en fin de chiste… Con cosas así y otras tantas, desde luego se trasluce como institución anacrónica, anquilosada y completamente inútil en los parámetros en los que se sitúa actualmente. Menos mal que a partir de ahora parece que todos los años se hará la exposición de los becarios de Roma, que algo de aire fresco supone. Veremos si sigue. Aparte de esto todo fue maravilloso, la gente que vino en oleadas; charlé poco con algunos, menos de los que hubiera gustado, allí estaban, mi Giulia (espectacular como siempre, como no, faltaría menos), Rubén Gómez (viejo amigo, diseñador de moda y paisano), Paco Fábregas (amigo y embajador en Polonia), Pepa (amiga y ex alumna mía de la Facultad), Juanma, Kuba (mi cuñao), Joselito (casi llegó puntual pero por lo menos llegó), Luisja (hecho un pincel con su casco de moto con la bandera italiana) e Irene (encantadora), Diana, Aída y demás (que monas estas chicas, todas, que trendy, fashion y demás epítetos in english please), Teresa y David (tan divertidos como siempre, yo es que me parto con Teresa), Martina (que gitanita napolitana, que piernas), Ana (sigue sin creerse lo guapísima que es por fuera y por dentro), Germán (elegantísimo), Pilar (con un maravilloso vestido de su abuela, casi na la señora abuela de Pilar), Bego (pelirroja como siempre), Mariano (sin sombrero), Moisés y Vicent, Ángel y Pilón, Iván y señora, Lupe y su padre (el poeta Félix Grande, un honor conocerlo), Marta, su chico (que pareja adorable) y la niña de su chico (más adorable si cabe), Charo, la Contenta (si, en España también parla contento), Maria Elena, Olga, Leticia, Rufo, Mafalda, Joao, Patricia, Amparo y demás fans, Natalia, Marielo, Pepe, Álvaro, Fernando Castro Flores, Daniel Canogar, Alberto Campo Baeza, y todos los demás con los que hablé y no me acuerdo de sus nombres (mis disculpas), las obras magníficas, las risas, los recuerdos, entender lo que ha supuesto Roma…

Cuando acabó el discurso de apertura, con todo el mundo haciendo palmas esperando los canapés y las cervezas, con el Laocoonte mirándonos, Luis se vuelve y me dice: “Ahora si que se ha terminado”.

HOY

2008-10-26T15:46:00.004+01:00

Inhóspitos paisajes de puertas traseras y naves de carga grúas brazos mecánicos pintar a pistola
miembros un día amputados como el fantasma de sí mismos la naturaleza liberadora de la violencia estructural y la lucha como forma de identificar el objetivo

hoy es un hermoso día para destrozar parkímetros devorar las obras fundamentales de la teoría del arte asentir con la cabeza sincopado el órgano irremplazable las frías luces de neón sucios aceites de motor charcos por toda la habitación oscuros espesos sublimes turbiedades de dentro y fuera hoy es un hermoso día de cielos tronantes y aparato eléctrico de crema de champiñón de motores templos de saber muladares la sombra del erecto gigante literario el humo hierático su maquinaria pesada el barro reseco en la cara el erróneo gotear de los instantes y las rodillas adornadas

hoy declaramos la posibilidad de deriva adaptación supervivencia en un entorno hostil la dureza metálica y el sabor acre del paso del tiempo mientras friccionados enrojecidos los circuitos imposibles golpean con ramas y viejos trozos de ladrillo las nubes oscuras hinchadas

hoy todo es el horizonte inmenso los hierbajos desteñidos la humedad ácida

hoy

LA EQUIDISTANCIA

2008-10-23T11:50:00.011+02:00

“El terrorismo hace daño a todas las partes, el que lo comete y el que lo sufre” dijo el progenitor de la criatura cinematográfica como si esto de que un señor te pegue un tiro en la nuca sea un hecho inevitable, como un desastre natural, y el señor que te pega el tiro lo hace diciendo “me va a doler a mi más que a ti”. Agradezcámosle de que se nos informe que un asesino come y caga, como también seguro lo harían Pol Pot, Hitler, Bin Laden, Stalin y la madre que los parió.
Hay quien prefiere ver cualquier película iraní aunque sea un coprolito (por que si, señores, también hay películas iraníes malas y taiwanesas y bosnias) por que hay que dárselas de entendido, antes que ver un producto made in Hollywood, por amor de dios que vulgaridad… Pues hay en cinco minutos cualquiera de Ratatuille o de Promesas del Este por ejemplo, más valentía, sensibilidad, poesía y originalidad, arte con mayúsculas, que en todas las películas "de arte y ensayo" que nos intentan colar algunos, juntas.

En fin, que hasta en la sopa hemos tenido el pestiño de Tiro en la Nuca, que yo creo que será la película record en la relación presencia mediática / número de espectadores, en proporción negativa quiero decir: a pesar de una promoción brutal por tierra, mar y aire, no la ha visto ni el tato… y me pregunto yo quien coño habrá pagado todo eso… que fácil ser artista cuando se es millonario...
La equidistancia como discurso artístico, la indecencia de la equidistancia en la muerte, en el asesinato, que sencillo parece todo desde el punto de vista del intelectual de todo a 100, hacemos una nueva boutade, nos garantizamos una polémica especialmente sucia en tanto que se trata de hacerlo a costa de la muerte dos personas y el sufrimiento de su familia y lo más sorprendente que hoy día, año 2008, alguien lo encuentre el paradigma de la modernidad en cine. (Pensaba yo que la objetividad, la equidistancia es precisamente lo opuesto a la labor artística, ingenuo de mí). Ríase usted de Bresson, Rohmer, Rivette, Antonioni, Goddard, Maker o el mismísimo Warhol, hagamos como si jamás hubieran existido y coloquémonos sus medallas. Paradigma del cine vacío y oportunista, dice el director que sin ideología y objetiva, falacia de principiante ya que hasta Wiseman y Bresson sabían que el posicionamiento del director se identifica desde el momento en que eliges un encuadre, en que haces el montaje, en cuanto te colocas a una distancia de tu personaje... la mirada, eso es el cine, y no por estar más lejos de la acción siempre se quiere decir que tu postura es más distanciada (de ser así Mizoguchi no hubiera hecho jamás del plano general uno de sus recursos más delicados). La teoría del distanciamiento de Bretch, el no implicarse, crear tal distancia que el espectador pueda alternar entre la visión y el pensamiento de porqué el autor de lo que veo ha hecho esto así, reeducar la mirada como dice Kiarostami, en fin que justificaciones para perpetrar esto, como para cualquier barbaridad, las hay a miles, por justificaciones teóricas que no falte que las tiene hasta el terrorista no las va a tener el "cineasta". Eso si, se experimenta cuando se saben las lecciones básicas, experimentar al albur produce cosas así, un desastre sin pies ni cabeza que tortura al espectador desde los primeros fotogramas hasta los últimos. Rosales, que piensa el cine como un principiante, como una persona que ha leído poco y que ha visto mal, comentaba que esta película es para el espectador del futuro, que haciéndola se sentía en el centro mismo de la creación…

No me digan que no es como para cagarse en todo.

MADRID Y DEMÁS

2008-09-22T00:55:00.011+02:00

Bueno, a ver… no esperen sinceridad por aquí, (no me lo permitirían ni unos ni otras), ni coherencia (eso no me lo permitiría yo). Por lo demás, veremos a ver que sale.

Madrid; el último fin de semana bastante loquito, inauguraciones, juergas y demás. Que dura que es la vida. La noche blanca con María y Kuba, muy bien, un poco de frío, expos, el funanbulista inexistente y entre otras cosas la fascinación de ver como después de casi 100 años los críos se siguen partiendo de risa con Chaplin (en el Caixa Forum). La expo de JAE (Jóvenes Arquitectos Españoles) estupenda, aunque el montaje era un poco 100 metros vallas; lo de José, magnífico, ya lo tenía mucho más que visto, no por ello deja de sorprender a todos los niveles. Después de la expo se lió.
[Elipsis].
Una pena que Aliskilla al final no pudo venir de Roma, me parece que Kosuth la tiene algo esclavizadilla, así que dejamos el momento Juan Francisco Casas' (third) favourite muse para más adelante. Por otra parte mejor no hablar por aquí de los métodos de trabajo de Kosuth, que luego todo se sabe… Y a ver si busco de una vez por todas un buen marco para la obra que me regaló, coñe. En cuanto a la expo en Juana de Aizpuru al final pasamos de ir, nos liamos en casa, private party, demasiadas arquitectas, mucho alcohol y arquitectura a gritos, muro si o muro no, unos huevos de campo fritos, papas fritas, berenjenas, el lomo pa morirse, el atardecer en Madrid, unas gafas rojas en el ascensor, el ron del chino, Los Planetas y el Templo de Diana… que extraña que es la vida. Nunca me entero de nada.
[Elipsis].

Después de la traumática y larga vuelta de Roma, ya estoy terminando dos dibujos de Giulia, cabezas de 2 metros, ducha, humedad, boli azul. No está quedando del todo mal. Para que luego digan que el tamaño no importa. Que no os engañen.
Mientras tanto termino Desde el jardín de Jerzy Kosinski y Buenos días, tristeza de Françoise Sagan, muy cortitos ambos, y bastante buenos, sobre todo el de Kosinski. Me enfango con Ayn Rand. Cada vez me gusta más Rand; 700 páginas de novela adictiva, soberbia, una joya profunda e intensa básicamente sobre la responsabilidad del artista con su obra y con la sociedad. Veo una entrevista a ella de Mike Wallace en 1959 en la que este le dice indignado: pero según su propia filosofía, ¡hay muy pocas personas en el mundo que merecen ser amadas! Y ella le contesta con su acentazo ruso: por desgracia, sí. Que tía más chunga…
Sigo al mismo tiempo con los dibujos pequeños: Giulia, Aliskilla, Vanessa, Trine, Laetitia, Sina, Bea… Mucha belleza, carne y pelo, como de costumbre. Creo que esta vez llevo demasiados a la vez. Ahora tengo que ponerme con los dos grandes para Londres y en cuanto vuelva de Italia empiezo los otros grandes que irán a la expo de los becarios de la Real Academia de España en Roma, que será en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid el 13 de noviembre. Uno de los que se expuso en Roma en junio se está exponiendo en Corea y por lo tanto tengo que sustituirlo para la expo de Madrid. ¿Alguien se ha enterado? Pues para hacerlo más fácil tengo que preparar ARCO y Scope New York, esta última con un stand individual. Además los de la White Square Gallery de Las Vegas me dicen que la expo The Joy of Sex de este verano ha sigo un pelotazo y que están encantados con todo. Han sacado el dibujo de Aliskilla en bolas chupándole el pie a Lucía hasta en el Las Vegas Weekly. Me ofrecen otra colectiva con Sophie Calle y Helnwein, pero voy hasta arriba de trabajo. No va a poder ser.
Por lo pronto y para hacer gala de mi falta de coherencia en unos días me largo unas semanitas a la mia bella Toscana.

INIZIO

2008-09-10T11:16:00.004+02:00

No es fácil.

Día a día intentando superar Roma, todos y cada uno de los momentos allí, mi torre el primer día, la vista del cupulone y de toda la ciudad desde mi cama cada mañana, la Real Academia de España, el capuccino+succoace+tramezzini en el Baretto, las carciofi del Mario y los gnocchi del Augusto, el centoquindici, el becario de la curva, los platos pandos, la pizza del Montecarlo, Caravaggio en San Luigi dei Francesi, el nunca me entero de nada, aquel extraño viaje a Nápoles entre toneladas de basura, el café del San Eustaquio, chachochachochacho, el baile de los estorninos en el EUR, el London Calling del Rialto, las luciérnagas en el via crucis, su mirada en la Fontana di Trevi, las esperas en Termini, un cardenal en mi jardin, el ponte Sixto, la luna llena en el Palatino aquella noche, los amaneceres frente al Coliseo, el botellón bajo el Arco de Constantino y el salto rociero a la verja en frente del Arco de Tito, las charlas hasta las tantas, la fiesta en Villa Medici, los tre Fellini, mi primer capodanno toscano, Florencia, el David, el Doris, el palio de Siena y el bistec a la Fiorentina, i-i-i-istrice!!, toda la Toscana y el chianti, esas tormentas, el tiramisú, aquella tarde, la luz en el Panteon, la mirada oblicua, los supli, el puah la escala, la Fornarina, el Juicio Final, la pizza marinara, el mago Guarda, el Campo di Fiori, Giordano Bruno, el Freni e Frizioni, las Peroni, gnignigni, piove guarda come piove, aquella noche perdidos con el coche por el centro con Nino Rota, la queimada, la paella, la belleza, las mujeres, Sordi y un americano a Roma, allrightallrightallright, las lagunas mentales, el complot de los arquitectos, el Standa, boh, los sombreros de los daneses, la doccia, las sesiones fotográficas al desnudo, las juergas interminables, las locuras que mejor no contar, el averna y el mirto, el christmas de los cojones, el solecito en el giardino, la última noche en la terraza y cada noche, il aperitivo, chip y chop, el San Calixto, Berlusconi naranja, Villa Borghese, en vespa de madrugada por el lungotevere, las películas fallidas y el cineclub a gritos, todas las fiestas en las academias, los trios y las orgías orgías queremos orgías, las mil y una entrevistas, los autógrafos, el viale Trastevere aquella mañana, Bernini y Borromini, los etruscos, la puesta de sol detrás de Garibaldi, el ah pero se puede, el baño en el Fontanone, Marcello come here Marcello, la Eurocopa y las metralletas, aquella ventana y todos aquellos amaneceres consecutivos, la última fiesta y el último mes sin dormir a contrareloj, nuestro viaje a Darjeeling particular, los lagrimones como puños, recordar cada día y todos los dias… y por supuesto a Giulia, Jose, Luis, Aliskilla, Diana, Ángel, Teresa, Martina, Eva, Ana, Fran, Moisés, Marta, Germán, Lupe, Malena, Dona, Chiara, Pilar y Pilar, Iván e Ivan, Fede y Fede, Valentina y Valentina, Cristina y Cristina, Elena y Elena, Jakob y Jakob, Trine, Laetitia, Siham, Melina, Charo, la Contenta, Aubrie, Félix, Josu, Aishling, Alec, Vanessa, Isabel, Amaia, Valeria, Anapang, Prisca, Giorgia, Alexandru, Jackie, Maria Elena, Olga, Alessandra, Joseph, Sanna, María, Giacomo, Ciro, Martina, Francesca, Riccardo, Katia, Gemma, Piero, Clara, Richelieu, Bea, Bego, Leyre, Enrique, Mino, Fabio, Pino, Paola y tantos otros que pasaban por allí, todos y Roma toda, cada centímetro…

Hoy es un buen día para comenzar.